Comentario de un edificio

Pasos a seguir:

• Título
• Arquitectos
• Estilo
• Materiales utilizados
• Comentario propiamente dicho

Ejemplo de comentario de un edificio: LA CATEDRAL DE REIMS

´TÍTULO: La Catedral de Reimshttp://es.wikipedia.org/wiki/Catedral_de_Reims

ARQUITECTOS: Jean d´ Orbais,Jean le Loup, Gaucher de Reims y Bernard de Soisons,

CRONOLOGÍA: 1211 – 1311
 
 

ESTILO: Gótico clásico francés

MATERIALES UTILIZADOS: piedra, argamasa, metal fundido y vidrio.

DIMENSIONES: 38 metros (altura de la nave central), 86 metros (altura de las torres) y 149 m de longitud.

La Catedral de Reims pertenece al conjunto de las catedrales clásicas de Francia, junto con las Catedrales de Amiens y de Chartres. Está dedicado a la Virgen María. El origen de este imponente edificio gótico comenzó en el siglo IV con un pequeño santuario Más tarde se construyó una basílica sobre columnas romanas de unas antiguas termas, y allí se bautizó a Clodoveo, primer rey de Francia en el año 498.

En el 816 Ludovico Pio, hijo de Carlomagno elige este lugar para ser consagrado emperador, se construye una iglesia de estilo carolingio y a partir del reinado de Enrique I en el siglo XI se establece definitivamente este lugar para la consagración real, con lo que adquiere la categoría de catedral. (el último rey coronado fue Carlos X en 1825)


Esta catedral se incendiará y hay que iniciar una nueva.
Tratándose de un templo de tal importancia, podemos considerar que las obras no se demoraron demasiado, se iniciaron por encargo del obispo de la sede en 1211 y, probablemente en el plazo de unos setenta años el grueso de la construcción estaba ya alzado, interviniendo en su trazado, de manera sucesiva, cuatro maestros de obras cuyos nombres se conservaron en uno de los famosos laberintos trazados en el suelo de la nave central. Aunque el original fue destruido, un dibujo nos indica que en Reims trabajaron Jean d´Orbais, Jean le Loup, Gaucher de Reims y Bernard de Soisons, y señala además la parte que cada uno edificó.

Esta catedral fue calificada de "mártir" después de la 1ª Guerra Mundial por ser bombardeada por los alemanes, que veían en ella un símbolo nacional de Francia.

Un andamio dejado en la torre norte se incendió, lo que permitió que el incendio se propagase por todo el armazón. Se fundió todo el plomo de la techumbre y se vertió por las gárgolas. Lo recogieron los vecinos quienes lo restituyeron después del conflicto.

 
　

La catedral se volvió abrir en 1938 gracias al apoyo financiero del mecenas norteamericano Rockefeller.

De esta construcción llama la atención el enorme tamaño de la cabecera, que alcanza la mitad de la longitud. Se ha explicado este fenómeno de la cabecera hipertrofiada como respuesta a la necesidad de disponer de una zona lo suficientemente amplia como para alojar al numeroso coro que participaba en las principales ceremonias religiosas de la catedral.


La nave central también se alarga para abrir espacio para la gente que acudía a ver las coronaciones
Pero no se trata únicamente de valorar esta catedral desde el punto de vista arquitectónico. En este lugar podemos admirar uno de los repertorios más amplios de la escultura y del relieve góticos, que se extiende por sus distintas fachadas externas, así como por esa otra fachada interior que cierra los pies del templo, hasta sumar un conjunto de más de 2303 piezas.

En la mayor parte de ellas están ya presentes las novedades de la plástica escultórica gótica que, en algunos casos, ha producido verdaderas obras maestras, como ese ángel sonriente del grupo de la Visitación. Por lo demás, en un templo gótico el espacio reservado a las vidrieras ha de ser también considerable y en Reims destacan sobremanera las del enorme rosetón central en el que se representa a la Virgen rodeada de apóstoles y ángeles.

Así que quien entra a la catedral de Reims resulta atrapado por el peso de la Historia y el Arte. En el lugar en el que ahora ocupa el templo el rey franco Clodoveo fue bautizado por San Remigio, dando origen a la tradición de la coronación de los reyes franceses en la ciudad. Entre estos muros, asistió en 1429 Juana de Arco a la coronación de Carlos VII, a quien ella misma había ayudado decisiva-mente en su camino al trono. Aquí, en el ábside, un artista judío, Marc Chagall, diseñó un insólito conjunto de vidrieras en el ábside. Y aquí mismo cayeron algunas de las bombas de la Primera y Segunda Guerra Mundial.




Exterior
  Lo más destacable del exterior es su imponente fachada Occidental que se observa desde la larguísima calle que conduce hasta ella.

Dividida en tres grandes registros y tres calles rematadas en dos torres y un gran gablete central encima del gran rosetón

Tres portadas abocinadas reúnen un gran número de esculturas (tema de la Anunciación y la Visitación), gabletes rosetones etc.
La "galería de los reyes" por encima, muestra el bautismo de Clodoveo y estatuas de sus sucesores.

En las otras dos fachadas, la norte está decorada con temas como el Juicio Final y una figura de Jesús y la sur tiene un rosetón con los profetas y apóstoles.




Planta e interior
  El edificio destaca por su unidad de estilo, a pesar de todos los contratiempos que ha sufrido.

La planta tiene tres naves, un transepto (también con tres naves) y un ábside con girola y capillas radiales. Esta catedral reduce la longitud del transepto casi hasta coincidir con las naves laterales.

Como elementos constructivos destaca el arco ojival y la bóveda de crucería. Las naves laterales se encuentran separadas de la nave central por una serie de columnas lobuladas.

 
　

Como rasgo más destacable de la Catedral de Reims, podemos hablar de la hipertrofia de la cabecera, una de las particularidades de algunas iglesias francesas del siglo XIII, aunque en esta catedral llega a ocupar la mitad justa de todo el edificio. El interior destaca por la esbeltez de su estructura y presenta tres niveles: arcos formeros, triforio y ventanas o claristorio.


La galería de arcos contiene (cada una), una estatua de reyes en su interior.

Las vidrieras restauradas poseen tonos rojizos o azulados.
Como resultado, la luz interior de la catedral no es la clásica de los grandes templos góticos. En la girola hay una vidriera con hermosos tonos azules, que el pintor Marc Chagall hizo en 1994. Es una valiosa aportación moderna al arte de los vitrales.

Como comentar una escultura

Pasos a seguir:

• Nombre


• Autores


• Cronología


• Localización


• Estilo


• Material


• Grupo escultórico


• Análisis formal y técnico

• Simbología

Ejemplo de comentario de una escultura: GRUPO ESCULTÓRICO DE LA ANUNCIACIÓN Y LA VISITACIÓN

 

A) CLASIFICACIÓN

NOMBRE: Grupo escultórico de la Anunciación y la Visitación.

AUTORES: Maestro de la Visitación

Maestro de la Sonrisa (Anunciación: ángel)

Maestro de Amiens (Anunciación: la Virgen)

CRONOLOGÍA: las esculturas se realizan entre 1245 / 1255

LOCALIZACIÓN: Portada Occidental de la catedral de Reims

ESTILO: Gótico Clásico

MATERIALES: Piedra caliza



La fachada de la catedral de Reims fue construida entre 1210 y 1290 con triple portada, como es habitual en el gótico clásico (sigue el esquema tripartito que hemos visto en Notre-Dame).

Destaca por la profusión de esculturas que invaden todos los espacios disponibles (arquivoltas, columnas, contrafuertes, gabletes etc.). Si embargo, las puertas no tienen tímpanos, sustituidos por rosetones con vidrieras, por lo que los temas principales se colocan en las columnas y gabletes. En su decoración escultórica intervienen varios talleres con estilos muy diferentes aunque sus obras aparecen frecuentemente mezcladas, incluso en un mismo portal.

En las Jambas se sitúan las llamadas ESTATUAS COLUMNA por su adaptación al marco, con los grupos escultóricos de la anunciación y la Visitación
 
 

GRUPO ESCULTÓRICO DE LA ANUNCIACIÓN.

 

 

A) ICONOGRAFÍA

Se trata del tema de la Anunciación. Un ángel anuncia a María que va a concebir un hijo por obra y gracia de Dios.

Se compone de la figura de la Virgen y el ángel sonriente. Recuerda la sonrisa de la escultura griega arcaica

B) ANÁLISIS FORMAL Y TÉCNICO

El movimiento viene reflejado por la gesticulación de los brazos. María no tiene apenas expresión. Vestiduras y modelado primitivo. Pliegues rectos angulosos, que acentúan la verticalidad.

Las esculturas intentan integrarse en un marco exterior más allá de la portada: el ángel observa a la Virgen y esta mira hacia el exterior de la portada.

Diferencias entre el tratamiento de los ropajes en el Ángel y la adaptación a la columna del cuerpo y ropajes de la Virgen nos hacen pensar en la intervención de dos maestros: uno más arcaizante en la escultura de la Virgen y otro más moderno en el ángel. Esto también se observa en ropajes y rostros.
 
Maestro de la Sonrisa: Sería el autor del famoso Ángel de la sonrisa que responden a los gustos de un arte cortesano y amable que triunfará en la segunda mitad del XIII, es un arte humano, agradable, caracterizado por el preciosismo técnico) por ejemplo en las plumas de las alas, etc.)

Maestro de Amiens: La catedral de Amiens se concluyó antes de la de Reims lo que permitió que un grupo de escultores que habían trabajado en Amiens se trasladara más tarde a Reims. Su estilo (Virgen de la Anunciación) deja de lado la antigüedad tanto como la "amabilidad" de los escultores anteriores. Es un arte frío y distante, que no trasluce sentimientos, un arte uniforme y estilizado, realizado en serie, en el que las figuras visten todas túnicas iguales con marcados pliegues rectilíneos.

 

GRUPO ESCULTÓRICO DE LA VISITACIÓN

 

A) ICONOGRAFÍA:

Encuentro de María e Santa Isabel, [madre de san Juan] ambas embarazadas.
 El autor de este grupo escultórico nos es desconocido por eso le llamamos Maestro de la Visitación o también "Maestro de las Figuras Antiguas".



Nos presenta el tema de la Visitación de María a su prima Isabel y ocupa dos estatuas-columna del portal central. Sus figuras demuestran un profundo conocimiento de la escultura clásica, probablemente a partir de sarcófagos romanos. La Virgen y su prima aparecen vestidas de matronas romanas con túnicas en las que late el recuerdo de los paños mojados de Fidias y de la escultura helenística de la escuela de Pérgamo con sus plegados movidos, muy elaborados. Recursos como el de la pierna de apoyo y la pierna libre y una cierta curvatura "praxitélica" demuestran que el conocimiento que el artista tiene de la antigüedad no es solamente superficial, sin embargo no se supera todavía el "principio de disyunción" de Panofsky ya que se adoptan las formas clásicas pero aplicadas a temas cristianos.

El parecido de la cabeza de María con la Venus de Médici es evidente aunque no hay que pensar en una influencia directa sino en la copia de modelos intermedios, sarcófagos o relieves galorromanos.

La inspiración en un sarcófago lleva al escultor a desechar la iconografía tradicional del tema de la Visitación (normalmente una escena de abrazo entre María e Isabel) sustituyéndola por una escena de filósofos, más adecuada a la tipología de las estatuas-columna.

B) ANÁLISIS FORMAL Y TÉCNICO

Composición en CONTRAPPOSTO, cabezas inclinadas, gesticulan.

Rostros expresivos y diferenciados ambos.

Modelado de ropajes: intenso, muchos pliegues y profundos envuelven el cuerpo aunque se adivina por debajo de los mismos. Recuerdan la forma en como se trataban los paños en la Grecia clásica. Recuerdan la técnica de los paños mojados

Figuras insertadas en un espacio: se comunican entre ambas

La LEY DEL MARCO condiciona el canon pero en ambos grupos escultóricos quieren liberarse de ese marco y se proyectan hacia el exterior. Se inicia con ello el camino de la liberación de las portadas.

Aquí no hay convencionalismos como en la escultura románica [ jerarquización, hieratismo, frontalidad , esquematización de ropas, etc. ] todos estos aspectos están superados en estos grupos escultórico..

C) SIMBOLOGÍA: (para el comentario de las dos láminas)

El siglo de las catedrales es el siglo XIII, y con ello el desarrollo de las ciudades, de la burguesía como grupo social emergente

Las esculturas reflejan dos aspectos:

Una evolución en la técnica que se hace más preciosista más detallista.

Por otro lado: evolución y conexión con la nueva estética y pensamiento filosófico. Se ha superado ya los miedos y terrores del año mil. La nueva espiritualidad refleja el despertar de las ciudades, la confianza en el hombre, el resurgir del comercio y las actividades artesanales.

Se esculpe unas figuras más naturalistas, más cercanas al hombre. La Virgen no es solo el principal personaje femenino dentro de la religión cristiana, también es madre de Dios, bondadosa, dulce, cariñosa, humana en definitiva.

 

 

Como comentar un cuadro

 

Pasos a seguir:

1. Título
2. Autor
3. Cronología
4. Localización actual
5. Estilo
6. Material
7. Soporte
8. Iconografía
9. Análisis técnico y artístico

Ejemplo de comentario de un cuadro: EL MATRIMONIO ARNOLFINI

A) CLASIFICACIÓN
NOMBRE: El matrimonio Arnolfini
AUTOR: Jan Van Eyck
CRONOLOGÍA: Siglo XV. (1434)
LOCALIZACIÓN: National Gallery, Londres
ESTILO: Gótico
MATERIALES: Pintura al óleo sobre tabla

B) ICONOGRAFÍA
Se trata de un cuadro nupcial, encargado por Michele Arnolfini para conmemorar su boda.
Los esposos aparecen retratados en pie, vestidos lujosamente como corresponde a su estatus social, dándose las manos mientras el esposo hace un gesto de bendición; es el gesto con el que se celebraba un matrimonio en la época, cuando todavía no era necesaria la presencia de un sacerdote.
Sin embargo, Arnolfini sujeta a sus esposa con la mano izquierda, no con la derecha que sería lo normal, rasgo que se ha interpretado (Panofsky) como signo de desigualdad social lo que cuadraría perfectamente con el matrimonio de Michele, casado con una plebeya, Elisabeth, de la que se desconoce el apellido y su procedencia (para algunos el representado es su hermano Giovanni con su esposa

　
Giovanna Cenami. Los Arnorfini, originarios de Lucca (Italia), eran adinerados comerciantes de telas asentados en Brujas).
La ceremonia nupcial transcurre en un confortable dormitorio burgués que Van Eyck representa con todo detalle y con su habitual maestría técnica, al fondo, en un espejo aparecen reflejadas dos personas, una el propio Van Eyck y la otra un personaje desconocido, que actúan como testigos de la ceremonia. Sobre el espejo, en la pared, aparece la firma de Jan pero una firma de notario, no de pintor Johannnes de Eyck fuit hic, (estuvo aquí, no lo hizo o lo pintó que sería lo normal).
El "truco" del espejo que representa la realidad que está fuera del cuadro es un recurso típico de la pintura flamenca y será más tarde utilizado por Velázquez en Las Meninas.
Aparentemente el cuadro es solamente un retrato nupcial, una "foto de boda" pero, diseminados por la habitación, aparecen una serie de objetos, frecuentes en una estancia burguesa pero a los que Van Eyck ha dotado de un carácter simbólico convirtiendo la tabla en una representación alegórica del matrimonio.
Aunque es de día, y por tanto completamente innecesaria, una vela encendida luce en la magnífica lámpara de bronce que cuelga del techo de la habitación: es un símbolo de Cristo que santifica la unión matrimonial y se utilizaba en las ceremonias de casamiento, pero es también la llama del amor que nunca debe de apagarse.
Las naranjas, que aparecen como por azar en el alféizar de la ventana que proporciona la luz a la habitación y al cuadro, son la fruta del paraíso, símbolo de los placeres del matrimonio.
El perrillo a los pies de los esposos simboliza la fidelidad. Las zapatillas tiradas, los placeres de la vida hogareña. La figura de Sta. Margarita, protectora de los nacimientos, aparece tallada en la cabecera de la cama y con el "embarazo" ficticio de la señora Arnolfini alude a la procreación como finalidad del matrimonio.
El espejo del fondo es un atributo de la virginidad. El "rosario" de cuentas que aparece colgado en la pared simboliza la castidad....alrededor del espejo diez medallones nos relatan las escenas de la Pasión de Xto, imitando esmaltes con un virtuosísimo inigualable
No hay nada al azar en el cuadro y hasta el objeto más mínimo esconde un "simbolismo disfrazado" que aumenta el encanto de la obra.
C) ANÁLISIS TÉCNICO Y ARTÍSTICO
En el terreno estilístico, el cuadro es una excelente muestra del virtuosismo técnico de Van Eyck.
Nadie como él es capaz de describir las calidades de los objetos: el metal de la lámpara, el terciopelo del traje de Elisabeth, las pieles de Arnolfini... todo aparece representado con un detallismo típicamente flamenco. Si a ello añadimos un sabio uso de la luz (hay dos focos, uno la ventana y otro frontal que ilumina los rostros de los esposos), una coherente construcción perspectiva y la habilidad para el retrato tenderemos los ingredientes para considerar al Matrimonio Arnolfini como una obra maestra.
El cuadro fue adquirido, a finales del S. XV por el embajador de los Reyes Católicos en los Países Bajos quien lo regaló a la infanta Margarita de Austria, futura esposa del malogrado infante Juan, hijo de los Reyes Católicos. Llegó así a España donde estuvo -en El Escorial- hasta principios del XIX siendo robado por las tropas de Napoleón y acabando luego en los fondos de la National

Como realizar un contexto histórico

Pasos a seguir:

-Situación cronológica
-Donde surge el movimiento, y porqué.
-Que lo influenció.
-Quienes eran sus mecenas.
-Sus rasgos más característicos.

Ejemplo de Contexto histórico: RENACIMIENTO

El Renacimiento, que a grandes rasgos comprende cronológicamente los siglos XV y XVI, con el que se pone fin a la Edad Media y comienza la Edad Moderna de la cultura occidental, es un fenómeno complejo que impregna todos los ámbitos de la existencia humana más allá de lo estrictamente artístico y cultural.
El primero en utilizar el término "renacimiento" fue el tratadista Vasari en el siglo XV, a finales del S.XVIII, aparece en la "Enciclopedia Francesa" el término "renaissance". Pero fue tal vez, Michelet, quien dio al concepto "renacimiento" un sentido histórico en el año 1885.

El movimiento renacentista surge en Florencia (Italia) en el S XV., extendiéndose por Europa a finales de ese siglo y comienzos del siguiente.

No debe extrañarnos que fuese en Italia donde surge el Renacimiento, si tenemos en cuenta, por una parte, la "tensión clásica" tanto cultural como artística de la que siempre estuvo animado el "espíritu" italiano, y, por otra parte, el auge económico y político, alcanzado por algunas de las ciudades-estados (Florencia, Roma, Venecia, etc.) dando pie a una sociedad de carácter urbano más rica que propiciará este movimiento artístico.

La influencia de la próspera burguesía ciudadana y mercantil en la vida política y cultural (fueron grandes mecenas) fue determinante en el desarrollo del nuevo espíritu renacentista, al ser ella quien decidía los nuevos intereses de la sociedad. La cultura en general, y el arte en particular quedaron bajo el control de la nueva nobleza renacentista.

"El renacimiento fue, ante todo, un nuevo espíritu que transformó las artes, las letras, las ciencias y todas las formas de pensamiento y de la actividad humana", aunque, no debe entenderse como una ruptura total con el pasado, ya que, muchas de las concepciones desarrolladas durante el periodo renacentista surgieron ya en la Baja Edad Media y muchas de las formas artísticas medievales se mantuvieron a lo largo del siglo XV.


Los dos rasgos más característicos del Renacimiento son:
A.- Humanismo.http://es.wikipedia.org/wiki/Humanismo
 Se trata, ahora, de un humanismo racional, no el emotivo de la Edad Media.
Antropocentrismo: el hombre se convierte en el "centro" de todo y es con referencia a él como se estudia todo el ámbito de la existencia.

Individualismo: El hombre se define por su individualidad en todos los planos de la vida. El nuevo ideal es el hombre completo, armónicamente desarrollado en todas sus facultades del cuerpo y del espíritu.

Valoración de la razón.-Frente al sobrenaturalismo medieval en el que el hombre había sometido su iniciativa al pensamiento religioso, el hombre renacentista confía en la razón humana como fuente autónoma de conocimientos, capaz de hallar nuevas verdades y de desarrollar por sí solo los distintos ámbitos del saber.

Se produce una disociación entre cristianismo y cultura laica, que no es anticristiana si no que los intelectuales de la época se emancipan del monopolio ejercido por la Iglesia, desarrollando una cultura racionalista y un espíritu crítico.

Este humanismo estuvo alentado por la difusión de la cultura clásica, la investigación de textos antiguos, de las lenguas latina y griega, excavaciones arqueológicas, etc. Es una resurrección del pasado clásico considerado como origen de la civilización, para ello contó con el gran invento de la imprenta que contribuyó a la difusión de las ideas.

También fue importante la aportación que hicieron los intelectuales que huyeron de Constantinopla (actual Estambul) al caer la ciudad bajo el poder de los turcos







B.- Naturalismo:http://es.wikipedia.org/wiki/Naturalismo  
  Se valora la Naturaleza en sí misma, no en cuanto creada por Dios. Se estudia sin connotaciones religiosas, investigando y tratando de determinar las leyes físicas por las que se rige.

Se promueven las investigaciones científicas y técnicas (descubrimientos geográficos, la imprenta) Culto a la vida y amor a la naturaleza

INTRODUCCIÓN:

En este blog trataremos de ayudarte a comentar una obra de arte en un buen nivel, de forma fácil tanto en arquitectura, en pintura como en escultura.
Solo tendrás que seguir los siguientes pasos, y observar los siguientes ejemplos que te ayudarán en la comprensión y a entenderlo.